martes, 5 de junio de 2018

La puesta en escena de Serguéi Eisenstein


  Imaginar a priori, y de una manera obsesiva, una puesta en escena nos arrastrará hacia territorios propios de lo “bailable” y de lo “teatral”.
            Hay que tener mucha precaución, pero también mucha libertad cuando nos planteamos “construir” una puesta en escena.
Serguéi Eisenstein

            Serguéi Eisenstein es uno de los directores de teatro y cine más influyentes de todos los tiempos. En La puesta en escena nos acerca muchas de las ideas llevadas a la práctica por él a partir del arte del teatro, donde ya incluía imágenes capaces de provocar emociones intensas en los espectadores y que, posteriormente, seguiría  desarrollando en sus films.
             Fue un gran precursor en su forma de rodar sus films, sobre todo en lo que se refiere a la técnica del montaje y la composición de los planos.
            Para Serguéi Eisenstein el movimiento de la cámara y los actores están determinados por la acción, haciendo del encuadre un referente significativo.
            A través de los distintos capítulos de La puesta en escena, Serguéi Eisenstein nos va revelando sus pareceres, en donde propone la utilización de técnicas provenientes del circo y del music-hall para sus films; su teoría sobre el montaje a partir del estudio de los ideogramas japoneses; el análisis de la composición de los planos; el contrapunto entre imagen y sonido; la narrativa de los colores; el cromatismo en los films, etc.
            La aportación de Serguéi Eisenstein, por lo que significa su innegable contribución, sigue siendo esencial para la creación artística.
            Como él mismo proclamaba: Es necesario preparar un lugar en la conciencia para la llegada de nuevas formas. Estas  formas, con el apoyo de nuevas técnicas, exigirán una estética nueva para su plasmación en las asombrosas creaciones artísticas futuras. Limpiar y preparar el camino es una de las grandes y sagradas tareas para todo creador.
            La puesta en escena es un libro indispensable para todos aquellos interesados en la práctica del arte del teatro y del cine.

lunes, 18 de septiembre de 2017

Novedades Noviembre 2017

Rítmica y creación
 Gesto, movimiento y forma
Émile Jaques-Dalcroze


Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.
            En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.
            La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.
            Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.


Distribuye UDL

martes, 18 de abril de 2017

Novedades Abril 2017

Próxima aparición

El método
Entrenamiento y ejercicios
Konstantín Stanislavski

El método desarrollado por Stanislavski propone, tanto al actor como al director, una serie de herramientas que sirvan para orientarlos en el camino que lleva a la vivencia  y a la encarnación de los personajes. Stanislavski era enemigo acérrimo de los dogmatismos y los formalismos, y siempre preconizó, en su tarea como pedagogo, que la utilización de su método fuera algo específico para cada actor, no una regla general. La práctica del método implica, necesariamente, una flexibilidad rica y variada, es decir, cuanto más personalizada sea su aplicación, más fecundo será el resultado obtenido en el proceso creador.
    Las recomendaciones que La Pajarita de Papel ediciones presenta hoy en El método son, en gran parte, las innumerables notas que tomó Stanislavski desde 1935 hasta 1938, y que se conservan en los archivos del Teatro de Arte de Moscú en la actualidad.
    Stanislavski tenía pensado publicar una especie de manual para el entrenamiento de los actores, así como una serie de ejercicios que había creado junto a sus alumnos para poder explicar, de una manera clara y sencilla, el complejo proceso de la “construcción” de los personajes.
    La edición en forma de libro del método no llegó a materializarse ya que al maestro ruso lo sorprendió la muerte en agosto de 1938.
    El método de Konstantín Stanislavski está dentro de la propuesta que La Pajarita de Papel ediciones está llevando a cabo al publicar en castellano, en traducciones corregidas y revisadas, los libros de los grandes maestros de la historia en el arte del teatro. 

lunes, 26 de septiembre de 2016

Novedades Octube 2016

KONSTANTÍN STANISLAVSKI
El actor y su personaje
Aprendizaje y creación


“Toda mi actividad en el Teatro de Arte de Moscú estuvo encaminada no a la creación de un teatro nuevo imaginado por mí sino al estudio en profundidad del proceso creador del actor. Mi trabajo no ha sido inventar sino investigar.
El actor que apenas ha salido del cascarón tiene que recibir estímulos y ser alimentado con sumo cuidado. Cuando se siente un poco más seguro y le vayan creciendo las alas habrá que enseñarle a volar. Dejemos que al principio solo mueva las alas, eso sí, teniendo cuidado para que no caiga contra el suelo. Con el paso del tiempo volará cada vez más alto. Solo necesita decidirse a volar por primera vez. De lo contrario, nunca podrá elevarse y, si no supera el miedo a volar, se conformará con un horizonte a la medida de sus fuerzas y tratará de convencerse a sí mismo volando dentro de una jaula. Ya nunca podrá salir de su encierro.
He dejado de creer en lo que complace solo a los ojos y a los oídos sobre el escenario. Solo creo en las emociones.
Las teorías que no se puedan desarrollar con la práctica, las rechazo”.


Konstantín Stanislavski

miércoles, 4 de mayo de 2016

Novedades Mayo 2016

Ya esta en librerias nuestro tercer libro!!!

Cuaderno de dirección
Notas y apuntes

Konstantín Stanislavski

"Ya no me interesa dirigir una obra de teatro; lo que realmente me importa es transmitir a los alumnos todo lo que he ido acumulando a lo largo de mi vida. Al irme de este mundo quiero legarles las bases de esta técnica que no se pueden estudiar teóricamente. Tienen que estudiarse en la práctica. Si en nuestro trabajo se estudia en profundidad esta técnica, en el futuro se irá desarrollando y difundiendo”.

 “Hay que tomar notas y apuntes de todas las ideas que se nos ocurran para mejorar el arte del actor. Es una tarea para los que de verdad amen el arte del teatro y se interesen por su futuro”.


En este Cuaderno de Dirección, que ahora publicamos, aparecen las primeras investigaciones de lo que, en la actualidad, se considera una de las más trascendentales aportaciones a la historia del arte del teatro.