jueves, 6 de febrero de 2020

Novedades Marzo 2020

Octave Navarre
Las representaciones dramáticas en Grecia
Tragedia, Comedia y Sátira


La influencia del teatro griego es determinante en la transformación y el desarrollo del arte del teatro: de ceremonia mágica al gesto; de ritual religioso al canto, la danza y el texto; del enaltecimiento de las leyendas heroicas al diálogo, la acción y la escenografía.

Todo ello configura un panorama que Las representaciones dramáticas en Grecia narra de manera amena y profunda, y cuya importancia didáctica es de una utilidad indudable para adentrarnos en el apasionante mundo del arte del teatro.

Octave Navarre, uno de los más significativos estudiosos del teatro griego, no ha olvidado ninguno de los mecanismos que definen las características del arte dramático griego. Desde los elementos que conforman su peculiar fisonomía, hasta el análisis y reconstrucción de la puesta en escena de una de sus más significativas tragedias: Edipo Rey, de Sófocles. También por la composición de los elencos, el vestuario, las máscaras, el desarrollo de la maquinaria teatral, los recintos donde se llevaban a cabo las representaciones, los festivales, la arquitectura.

         Las representaciones dramáticas en Grecia, es un libro que no dejará indiferente a nadie que se interese por el arte del teatro.


miércoles, 2 de octubre de 2019

Novedades Octubre 2019

Vsévolod Pudovkin
El arte de la interpretación
Teatro y Cine

Partiendo de la base de que el actor, tanto en el cine como en el teatro, debe conducir de manera inteligente la técnica actoral, Pudovkin en El arte de la interpretación proporciona una reveladora contribución al entendimiento para la encarnación de los personajes.
Pudovkin rechaza que el actor se convierta, simplemente, en un mediador “mecanicista” entre su técnica y el personaje a encarnar. Le reclama un trabajo provechoso y profundo en la construcción de los personajes, reivindicando para el actor una participación activa en el proceso creador.
Pudovkin prefiguró un tipo de actor capaz de adaptar su trabajo a las exigencias y a los métodos de interpretación de los personajes que presentan algunas diferencias tanto en el teatro como en el cine. Los aspectos más válidos de su aportación, tanto teórica como creativa, se enmarcan en el clima de efervescencia de la vanguardia de los años veinte del siglo pasado.

miércoles, 19 de junio de 2019

Novedades Junio 2019

Antonin Artaud
El teatro de la crueldad
Ciencia, poesía y metafísica

Es imposible “pensar” en los escritos sobre teatro de Antonin Artaud a partir de lo que comúnmente se entiende por teatro: una representación. El teatro de la crueldad es, según lo define el propio Artaud, la negación del teatro como representación: “…no se representa, se acciona. En realidad el teatro es la génesis de la creación…”. Es un contrasentido recurrir a Antonin Artaud como un teórico del teatro cuando, en realidad, él fue un teórico de la destrucción del teatro.
    Los textos que integran El Teatro de la crueldad, traducidos por vez primera al castellano, atestiguan, pese a su total desenfreno, la necesidad inevitable de entrar en contacto directo con el ser humano, tanto por medio del cuerpo como por medio del “alma”, del grito, rompiendo todas las formas externas existentes, queriendo que el ser humano se pliegue a la rebeldía total, a la libertad absoluta. Para Antonin Artaud, el teatro es uno de los escasos medios que posee el ser humano para “renovar su existencia” y de dar forma a su propia realidad. Es pura exigencia. Lo que se acerca más a una especie de “quemadura del alma”, allí donde quedan al descubierto los pensamientos y las emociones que de inmediato son destruidos. Es la destrucción del estilo. “El estilo me horroriza, y me doy cuenta de que cuando escribo fabrico estilo; por eso quemo todos mis manuscritos y guardo solo los que me recuerdan una opresión, un jadeo, un ahogo en no sé qué bajos fondos, porque eso es lo auténticamente verdadero”.
 

lunes, 3 de diciembre de 2018

Novedades Noviembre 2018


EUSEBIO CALONGE
Teoría y práctica 
de lo incierto
Escritos de teatro en los márgenes

Antes que una ráfaga de tiempo se los lleve, reúno aquí estos papeles sueltos. Como en los ensayos teatrales durante los que fueron escritos, estas reflexiones se mueven en la penumbra, en la espera de un acontecer, en la incertidumbre que es el palpitante camino a la obra. 
 En un principio la trazada desde un esquema, proyectada desde nuestro pensamiento, en el que los implicados en la obra construyen según las posibilidades escénicas de un texto. Existen para este construir metódico muchos sistemas coherentes y técnicas que desarrollan un control psicofísico, que según nuestra capacidad nos serán más o menos útiles para lograr una puesta en escena. El problema se plantea al confundir unos medios con un fin. Lo más frecuente es que se entienda esta parte como un todo, y en esta construcción escénica, mejor o peor elaborada, se dé por concluido el trabajo. 
Eusebio Calonge

Teoría y práctica de lo incierto es un libro apasionante, conmovedor. Un libro absolutamente necesario para todas las personas que se acerquen al arte del teatro. Un libro escrito desde las vivencias profundas experimentadas frente al hecho creador por uno de los dramaturgos españoles más transformadores de la escena en los últimos veinticinco años.

martes, 5 de junio de 2018

La puesta en escena de Serguéi Eisenstein


  Imaginar a priori, y de una manera obsesiva, una puesta en escena nos arrastrará hacia territorios propios de lo “bailable” y de lo “teatral”.
            Hay que tener mucha precaución, pero también mucha libertad cuando nos planteamos “construir” una puesta en escena.
Serguéi Eisenstein

            Serguéi Eisenstein es uno de los directores de teatro y cine más influyentes de todos los tiempos. En La puesta en escena nos acerca muchas de las ideas llevadas a la práctica por él a partir del arte del teatro, donde ya incluía imágenes capaces de provocar emociones intensas en los espectadores y que, posteriormente, seguiría  desarrollando en sus films.
             Fue un gran precursor en su forma de rodar sus films, sobre todo en lo que se refiere a la técnica del montaje y la composición de los planos.
            Para Serguéi Eisenstein el movimiento de la cámara y los actores están determinados por la acción, haciendo del encuadre un referente significativo.
            A través de los distintos capítulos de La puesta en escena, Serguéi Eisenstein nos va revelando sus pareceres, en donde propone la utilización de técnicas provenientes del circo y del music-hall para sus films; su teoría sobre el montaje a partir del estudio de los ideogramas japoneses; el análisis de la composición de los planos; el contrapunto entre imagen y sonido; la narrativa de los colores; el cromatismo en los films, etc.
            La aportación de Serguéi Eisenstein, por lo que significa su innegable contribución, sigue siendo esencial para la creación artística.
            Como él mismo proclamaba: Es necesario preparar un lugar en la conciencia para la llegada de nuevas formas. Estas  formas, con el apoyo de nuevas técnicas, exigirán una estética nueva para su plasmación en las asombrosas creaciones artísticas futuras. Limpiar y preparar el camino es una de las grandes y sagradas tareas para todo creador.
            La puesta en escena es un libro indispensable para todos aquellos interesados en la práctica del arte del teatro y del cine.

lunes, 18 de septiembre de 2017

Novedades Noviembre 2017

Rítmica y creación
 Gesto, movimiento y forma
Émile Jaques-Dalcroze


Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.
            En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.
            La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.
            Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.


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